Открыть главное меню

Концептуальное искусство

Это статья об искусстве XX века. См. также Концептуализм в философии

Концептуа́льное иску́сство, концептуали́зм (от лат. conceptus — мысль, представление) — литературно-художественное направление постмодернизма, оформившееся в конце 60-х — начале 70-х годов XX века в Америке и Европе.

В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест.

Один из основоположников течения с художниками группы Искусство и язык, американский художник Джозеф Кошут, видел значение концептуализма в «коренном переосмыслении того, каким образом функционирует произведение искусства — или как функционирует сама культура … искусство — это сила идеи, а не материала». Классическим образцом концептуализма стала его композиция «Один и три стула» (1965), включающая стул, его фотографию и описание предмета из словаря.

Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного.

Понятие «концептуального искусства»Править

Особенностью работ из сферы концептуального искусства, по мнению художественного редактора BBC Уилла Гомперца, является их сосредоточенность

«...не столько на создании физического объекта, сколько на идеях: потому его и называют концептуальным»[1].

Концептуалисты часто использовали уже готовые предметы, однако, не смотря на заложенные в них утилитарные функции, придавали им совсем другой смысл. Сол Левитт в статье 1967 года для журнала "Артфорум" предложил такое определение концептуального искусства:

«...цель художника, занимающегося концептуальным искусством, — сделать свою работу интеллектуально интересной для зрителя, и при этом не затрагивая его душу[2]».

Стоит отметить, что концептуализм никогда не был единым направлением. Концептуализм является обобщающим понятием для нескольких видов искусства[3]. Отвергая идею о том, что искусство обязательно должно приносить эстетическое удовольствие, концептуальные художники работают в разных сферах, включая перфоманс, видео-арт, ленд-арт и арте повера. Часто последователями идей концептуализма создаются необычные временные инсталляции, которые, по задумке, должны расширять границы восприятия и делать искусство доступным каждому.

ИсторияПравить

 
Яцек Тылицки, Каменная скульптура, Apaмбол джунгли, Гоа, Индия, 2009

Изобретение термина «концептуальное искусство» приписывают американскому философу и музыканту Генри Флинту. Так называлось его эссе 1961 года (Conceptual Art), опубликованное в книге An Anthology of Chance Operations под редакцией Джексона МакЛоу и Ла Монте Янга в 1963 году.

Французский художник Марсель Дюшан подготовил «почву» для концептуалистов своими «реди-мейдами». Наиболее известным из дюшановских реди-мейдов был «Фонтан» (1917), писсуар, подписанный художником псевдонимом «R.Mutt» (каламбур, напоминавший о популярных мультяшных героях Матте и Джеффе[4]), и предложенный в качестве экспоната для выставки Общества независимых художников Нью-Йорка.[5]

Именно М. Дюшан впервые поднял вопрос о переоценке того, что можно считать искусством. До этого момента считалось, что искусство должно обладать эстетической, технической и интеллектуальной ценностью. Идеи Дюшана и их теоретическая важность для будущего концептуализма было позднее оценено американским художником Джозефом Кошутом. В своём эссе «Искусство после философии» (Art after Philosophy, 1969) Кошут писал: «Все искусство (после Дюшана) — концептуально по своей природе, потому что искусство и существует лишь в виде идеи» («All art (after Duchamp) is conceptual (in nature) because art only exists conceptually»). Исполнив провокационный и показательный разрыв с традицией в 1917 году, художник дает начало новой концепции, исходя из которой, идея и задумка автора при оценке произведения превосходят его зримую красоту.

«Ибо художнику самому решать, что является произведением искусства, а что нет. Позиция Дюшана заключалась в следующем: если художник, сознавая контексты и смыслы, объявил свою работу произведением искусства, то так оно и есть»[6].

Отстаивая первостепенность концепции над самим создаваемым объектом, он настаивал на том, что художников не следует ограничивали в выражении своих мыслей и эмоций. Теперь художник в праве передать свою идею теми средствами, которыми тот посчитает нужными. Как вариант, идея может быть передана даже посредством собственного тела, в субжанре концептуального искусства, который получил название «перфоманс»[1]. В узком смысле слова термин «концептуализм» связан с художниками второй половины 1960-х годов, задавшихся вопрос о том, что есть искусство (art in general). Одним из главных инструментов в концептуальном искусстве 1960-х годов становится фотография. С помощь камеры удается провести некоторый анализ. Например, французская художница Софи Калль с помощью фотографии выявляет фиктивность любого документа[7]. Также отметим советского фотографа Бориса Михайлова, единственного фотографа из СССР, у которого была своя ретроспектива в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

«Михайлов делает странные фотографии, некрасивые. Например, у него есть серия «Неоконченная диссертация»: это такие черно-белые фотокарточки ни о чем, как будто из семейного альбома. Тем не менее он удерживает эту тонкую грань: сообщая о бесформенном, он проявляет какой-то минимум формализма».[7]

Концептуальное искусство оформилось как движение на протяжении всего периода 1960-х. В 1970 состоялась первая выставка концептуального искусства Концептуальное искусство и концептуальные художники, которая была проведена в Нью-Йоркском культурном центре.[8]

Московский концептуализмПравить

Особое место в истории данного течения занимает московский концептуализм. Важно отметить, что московский концептуализм развивался в изоляции от стран Западной и Восточной Европы, Азии и Америки, причиной которой послужили такие явления, как «железный занавес» и «холодная война». Так, в отличие от западного концептуализма русские представители данного течения не представляли собой единую арт-группу[2]. Во второй половине 1970-х и в начале 1980-х основной темой для московских концептуалистов становится советская действительность. Так, работы Кабакова, Булатова, Монастырского, Пивоварова, Пригова и Наховой относятся к романтического концептуализму - термину, впервые упомянутому в статье философа Бориса Гройса в журнале «А—Я». Гройс писал:

«И все же не знаю лучшего способа обозначить то, что происходит сейчас в Москве и выглядит достаточно модно и оригинально[2]».

Отдельно выделим таких художников, как Комар и Меламид, Чуйков - они также являются представителями отечественного варианта концептуализма, а именно соц-арта.

Концептуализм в литературеПравить

Концептуализм существует не только в сфере изобразительного искусства. Он также представлен в литературе. Одним из ярких примеров русского литературного концептуализма является Владимир Сорокин. Сорокин работает с разными типами речи и с разными типами речевых практик. Это можно проиллюстрировать на примере его романа «Голубое сало, 1999 года:

«...там представлены клоны писателей, Толстого, Достоевского, еще кого-то, и эти клоны пишут как оригиналы. Но чтобы застраховать себя, чтобы не претендовать на точное воспроизведение манеры Толстого или Достоевского, Сорокин пишет: этот клон получился на 75 %, этот — на 60 %. Тут нет и не может быть идеального повторения, но есть намек на определенный тип литературной практики с условным именем «Лев Толстой» или «Федор Достоевский». Сорокин работает с этими типами речи как с материалом, иначе говоря, работает как настоящий концептуальный художник»[7].

Примеры концептуального искусстваПравить

  •  
    Art & Language, Art-Language Vol.3 Nr.1, 1974
    1953 — Роберт Раушенберг выставил «Стертый рисунок Де Кунинга» («Erased De Kooning Drawing») — рисунок Виллема Де Кунинга, который Раушенберг стер. Он поднял многие вопросы о природе искусства, дав возможность зрителю решать, может ли стертая работа другого художника быть творческим актом, может ли быть эта работа искусством только потому, что знаменитый Раушенберг стер её.
  • 1957 — Ив Клейн, «Аэростатическая скульптура (Париж)» («Aerostatic Sculpture (Paris)»). Композиция из 1001 голубого воздушного шарика в небе над Galerie Iris Clert для рекламы выставки Le Vid. Клейн также выставил «Одну минуту огненной живописи» («One Minute Fire Painting»), которая была голубой панелью, в которой было установлено 16 шутих. Позже в 1957 Клейн объявил, что его живопись теперь невидима и демонстрировал её в пустой комнате. Эта выставка была названа «Поверхности и объёмы невидимой живописной чувствительности» («The Surfaces and Volumes of Invisible Pictorial Sensibility»).
  • 1960 — Акция Ива Клейна, названная «Прыжок в пустоту» («A Leap Into The Void»), во время которой он прыгнул из окна.
  • 1960 — Художник Stanley Brouwn заявил, что все обувные магазины Амстердама составляют выставку его работ. В Ванкувере Иан и Ингрид Бакстер выставили содержимое четырёхкомнатной квартиры, упакованное в пластиковые пакеты.
  • 1961 — Роберт Раушенберг послал телеграмму в Galerie Iris Clert, в которой говорилось: «Это портрет Iris Clert, если я так утверждаю», в качестве своего вклада в выставку портретов.
  • 1961 — Пьеро Манцони выставил своё собственное дыхание (в воздушных шарах) как «Bodies of Air», а также подписывал тела других людей, объявляя их живущими произведениями искусства.
  • 1961-1962 — Работа Христо Явашева и Жанны-Клод де Гийебон «Железный занавес» («Iron Curtain»): баррикада из бочек для нефтепродуктов на узкой улице в Париже, препятствовавшая автомобильному движению. Эта работа была протестом против возведения Берлинской стены.[9]
  • 1962 — Ив Клейн представил «Immaterial Pictorial Sensitivity» в виде церемонии на берегу Сены. Он предложил продать его «живописную чувствительность» (что бы это ни было) в обмен на золотой лист. Во время этой церемонии покупатель давал Клейну золотой лист в обмен на сертификат. Поскольку «чувствительность» Клейна была нематериальной, покупателю предлагалось сжечь сертификат, в то время как Клейн бросал лист в Сену (всего было семь покупок).
  • 1962 — Пьеро Манцони создал «Основание мира» («The Base of the World»), выставив планету как собственное произведение искусства.
  • 1963 — Статья Генри Флинта «Концептуальное искусство: эссе» (Essay: Concept Art) была опубликована в «An Anthology…»
  • 1964 — Йоко Оно опубликовала «Грейпфрут: книга инструкций и рисунков» («Grapefruit: A Book of Instructions and Drawings»). Пример эвристического искусства или серию инструкций как приобрести эстетический опыт.
  • 1965 — Концептуальная акция John Latham, названная «Still and Chew». Он пригласил студентов художественного вуза протестовать против ценностей Clement Greenberg «Art and Culture». Страницы книги из студенческой библиотеки были разжеваны студентами и возвращены в библиотеку в бутылках с этикетками. Latham был после этого уволен.
  • 1965 — Джозеф Кошут датировал концепцию «Одного и трёх стульев». Презентация работы включала стул, его фото и определение слова «стул». Кошут взял определение из словаря. Известны четыре версии с разными определениями.
  • 1967 — Параграфы о концептуальном искусстве (Paragraphs on Conceptual Art) Сола Ле Витта были опубликованы в журнале «Artforum». «Параграфы» отмечали трансгрессию Минимализма и Концептуального искусства.
  • 1969 — Роберт Барри и его телепатическое произведение («Telepathic Piece»), о котором художник заявил: «На протяжении выставки я попытаюсь телепатически коммуницировать произведение искусства, природа которого — серия мыслей, которые не пригодны для слов и образов» (During the exhibition I will try to communicate telepathically a work of art, the nature of which is a series of thoughts that are not applicable to language or image).
  • 1969 — Первый номер «Art-Language» увидел свет в мае. Он имел подзаголовок «The Journal of conceptual art», редакторами были Terry Atkinson, David Bainbridge, Michael Baldwin и Harold Hurrell: «Art & Language». Английский журнал «Studio International» опубликовал статью Кошута «Искусство после философии» («Art after Philosophy») в трёх частях (октябрь-декабрь).
  • 1970 — Douglas Huebler выставил серию фотографий, которые художник делал каждые две минуты пока ехал по дороге на протяжении 24 минут.
  • 1970 — Douglas Huebler попросил посетителей музея написать «one authentic secret». В результате 1800 документов были объединены в книгу, которая была очень скучным чтением, так как большинство секретов были похожи.
  • 1971 — Hans Haacke «Real Time Social System». Документальное описание недвижимости третьего по величине землевладельца в Нью-Йорке. Музей Гуггенхейма отказался экспонировать эту выставку.
  • 1972 — Fred Forrest купил кусок пустой площади в газете Le Monde и пригласил читателей заполнить её своими собственными рисунками.
  • 1974 — Марина Абрамович создала перфоманс под названием «Ритм 0». В концепцию данного перфоманса входило наличие 72 предметов, некоторые из которых могли доставить удовольствие, тогда как другие причинить боль. Идея перфоманса заключалась в предоставлении полной свободы действий, по отношению к Абрамович, с помощью данных предметов, в течение 6-и часов.
  • 1975-76 — Три номера журнала «The Fox» были опубликованы в Нью-Йорке. Редактором был Джозеф Кошут. «The Fox» стал важной платформой для американских членов группы Искусство и язык. Karl Beveridge, Ian Burn, Sarah Charlesworth, Michael Corris, Джозеф Кошут, Andrew Menard, Mel Ramsden и Terry Smith писали статьи, посвящённые современному искусству.
  • 1977 — Вальтер де Мария «Vertical Earth Kilometer» в Касселе, Германия. Это был километр проволоки, погруженной в землю, так что ничего не было видно, кроме нескольких сантиметров. Несмотря на размер, работа присутствовала преимущественно в воображении зрителя.
  • 1989 — Впервые выставлена «Angola to Vietnam» Кристофера Уильямса (Christopher Williams) Работа состояла из серии черно-белых фотографий стеклянных ботанических образцов из Ботанического музея университета в Гарварде, выбранных соответственно списку тридцати шести стран, в которых имели место политические исчезновения на протяжении 1985 года.
  • 1991 — Чарльз Саатчи «открыл» Дэмиена Херста и в следующем году выставил его «The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living», акулу в аквариуме с формальдегидом.
  • 1993 — Matthieu Laurette принял участие во французской телевизионной игре «Tournez manège», где ведущая спросила его, кто он, на что он ответил: «мультимедийный художник». Laurette разослал приглашения художественной публике посмотреть шоу по телевизору, превратив своё представление в качестве художника в срежиссированную реальность.
  • 1993 — Ванесса Бикрофт устроила свой первый перформанс в Милане, Италия, использовав моделей.
  • 1992-1993 — Джиллиан Уэринг. Хромогенная печать на алюминиевой табличке с надписью «Я в отчаянии» из цикла «Знаки», которые говорят то, что вы хотите, чтобы они сказали, а не знаки, которые говорят то, что другие люди хотят, чтобы вы сказали. Хранение: Галерея Морин Пейли, Лондон, Великобритания.
  • 1999 — Трейси Эмин номинирована на Премию Тернера. Часть её экспозиции «My Bed», её неубранная кровать, окружённая такими предметами как презервативы, испачканные трусы, бутылки и домашние тапочки.
  • 2001 — Martin Creed получил Премию Тернера за «The Lights Going On and Off», пустую комнату, в которой свет включался и выключался.
  • 2004 — Видео «Без названия» Andrea Fraser, документальное запечатление её сексуальной встречи с коллекционером в отеле (коллекционер согласился заплатить $20,000 за встречу) было выставлено в Friedrich Petzel Gallery, вместе с её работой 1993 года «Don’t Postpone Joy, or Collecting Can Be Fun», 27-страничная запись интервью с коллекционером.
  • 2005 — Саймон Старлинг (Simon Starling) получил Премию Тернера за Shedboatshed, деревянный сарай, который он превратил в лодку, проплыл вниз по Рейну и переделал снова в сарай.
  • 2009 — Паола Пиви и ее работа «1000», исполненная в Тейт Модерн.
  • 2009Оттмар Хёрль (Ottmar Hörl) создал скандальную инсталляцию «Танец с дьяволом» из 1250 чёрных пластиковых гномов, каждый из которых поднимал правую руку, символизируя тем самым нацистское приветствие. Таким образом художник протестовал против роста неонацизма в современной Германии[10][11].
  • 2014Себастьян Беник (Sebastian Bieniek), „Не забывай, что все будет забыто“ („Don’t forget that everything will be forgotten)[12].

ХудожникиПравить

ПримечанияПравить

  1. 1 2 Уилл Гомперц. Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси.. — Москва: Синдбад, 2018. — С. 357. — 464 с. — ISBN 978-5-906837-42-4.
  2. 1 2 3 Сергей Гущин, Александр Щуренков. Современное искусство и как перестать его бояться.. — Москва: АСТ, 2018. — С. 182-183. — 240 с. — ISBN 978-5-17-109039-5.
  3. Сьюзи Ходж. Главное в истории искусств. Ключевые работы, темы, направления, техники. / Ольга Киселева. — Москва: Манн, Иванов и Фербер, 2018. — С. 47. — 224 с. — ISBN 978-5-00117-015-0.
  4. Писсуар за 2,5 миллиона долларов // Korrespondent.Net. — 2002. — 12 мая.
  5. Tony Godfrey, Conceptual Art, London: 1998. p. 28
  6. Уилл Гомприц. Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси.. — Москва: Синдбад, 2018. — С. 23. — 464 с. — ISBN 978-5-906837-42-4.
  7. 1 2 3 Антон Хитров. Что нужно знать о московском концептуализме. The Village (14.12.16).
  8. artlex.com Архивировано 16 мая 2013 года.
  9. NoFavorite. Projects | Wall of Oil Barrels - The Iron Curtain (англ.). christojeanneclaude.net. Дата обращения 27 сентября 2018.
  10. 9 Канал ТВ. 1250 садовых гномов протестуют против фашизма.
  11. lenta.ru. Карлы Марксы, зигующие гномы и другие скульптуры Оттмара Херля.
  12. Konzeptkunst (нем.) // Wikipedia. — 2019-02-10.

БиблиографияПравить

См. такжеПравить

СсылкиПравить